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Le 21 avril, les mots de Claude Favre résonnent. Le lendemain 22 avril, ils résonnent toujours. Et les jours d’après. Comme résonnent les poètes. Rien n’est plus inscrit dans la vie que la poésie.

Dans le gris du monde. Elle n’embellit pas ce gris, ne le pleure pas, ne le déplore pas, mais le trame malgré lui, malgré tout, car gravée dans la vie.

Claude Favre en atelier de lecture avec musique : sérieuse, calme, douce, constamment dans le texte et dans l’instant. Les lecteurs (étudiants en lettres, pratiquant également l’atelier d’écriture avec François Bon) se laissent approcher, s’approchent à pas comptés des musiciens qui, eux, rejoignent le texte dans une langue qu’ils découvrent en l’inventant. Et me posent une question inattendue : comment lire, parler le texte avec l’instrument, et improviser sa propre langue ? Très concrètement, lire et jouer en même temps. Ils pointent ici la difficulté à faire co-exister deux niveaux de langue, ou deux langages, avec ce désir de leur donner égale importance discursive. Les excellents musiciens qu’ils sont, rompus à toutes sortes de situations musicales, peinent — de prime abord — à lire, entendre le sens, et conduire leur propre discours fait de sons. La latitude laissée à l’auditeur, habiter librement l’objet proposé, ni simplement texte, ni simplement musique (pour peu que celle-ci ne soit pas simple illustration, paysage ou ambiance, ce n’est évidemment pas notre propos), n’est pas offerte à l’improvisateur, qui doit construire sa narration en parallèle à la forme et au sens du texte. Nouvel exercice de gymnastique mentale, qui nous propulse dans le réel et la profondeur de champ de l’improvisation.

                à observer et de taille et d’estoc tant pis ainsi ce désespoir

Claude Favre en lecture : sérieuse, attentive, calme et pleinement engagée, à l’écoute. L’écriture, la lecture, comme toujours pour ces auteurs qui prennent à bras le corps et au sérieux la vocalité, qui travaillent à porter eux-même leur propre langue, sont si intimement liées que l’improvisation, ou le geste verbal, sont la vivacité du texte.

Ce soir du 21 avril 2012, les mots résonnent.

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« L’écriture de Claude Favre est un défi à propagation numérique. Il faut le relever : la poésie prend sa force de sa précision, de son exigence rythmique, et bien longtemps que cela se traduit par l’appropriation graphique de la page, à la lettre près, et dans la musicalité du blanc, que la typographie imprimée fixait dans son objet, tandis que le numérique le confie au lecteur » (François Bon). On peut trouver les textes de Claude Favre sur publie.net.

L’atelier lecture/musique était organisé par Archipels-Cie Dominique Pifarély et l’association culturelle de l’ UFR lettres et langues de l’université de Poitiers (grand merci à Martin Rass et Virginie Crouail), avec l’aide du CFMI de Poitiers. Les participants-lecteurs suivent par ailleurs, à la fac de lettres, des ateliers d’écriture dirigés par François Bon, et dont les travaux sont publiés sur leurs blogs respectifs, réunis ici.

Merci au Plan B d’avoir accueilli notre lecture.

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Le nouveau numéro vient de paraître, on en profite pour faire un rappel : les Allumés sont un regroupement de labels indépendants (58, aujourd’hui), d’obédiences, d’orientations diverses. Au journal (2 ou 3 numéros par an), s’ajoutent un site Internet (avec un blog et une webradio), la vente en ligne sécurisée, un stand itinérant sur les festivals, une boutique, le tout géré par une équipe de permanents solidaires et dynamiques  — manque une plate-forme de téléchargement, m’est avis, mais ça viendra… Dans la boutique (sise au Mans), des événements réguliers, mini-concerts des artistes des labels.

Par essence, par nécessité, c’est donc un lieu militant, au sens où il organise concrètement la survie — la résistance — de formes musicales qui n’ont pas lieu ailleurs, justement. Pour dire les choses clairement : contre l’industrie. Et puisque nous sommes le 24 avril 2012, où a-t-on entendu qu’un véritable service public de la culture devait garantir l’existence d’expressions artistiques singulières, inhabituelles, nouvelles, déplacées, décalées, étonnantes, surprenantes, immigrantes, émigrantes, nomades, ou marginales, non-consensuelles, minoritaires ? Un seul, à ma connaissance, l’a prononcé clairement (et pas les deux « grands », est-il besoin de préciser).

Ainsi, entre autres dans ce numéro d’avril 2012, des interviews de musiciens grecs (« … chaque gig est un combat pour gagner un public traumatisé…« , des commentaires sur l’éthique (« de la différence au différend, il n’y a souvent que l’espace d’une incompréhension« ), une interview de Daniel Yvinec, directeur de l’ONJ (« défendre des idées, des engagements en faveur de la culture, de l’idée que le Jazz mérite un vrai public, nombreux, curieux, qu’il doit aller vers ceux qui ne l’attendent pas« ), un texte de François Corneloup (« L’urgence n’est-elle pas plutôt de rejoindre les fronts d’une lutte politique plus large ?« ), le récit d’une mésaventure espagnole du saxophoniste Larry Ochs (« quelqu’un était allé à la police en se plaignant de la musique affirmant qu’elle n’était pas du jazz et que cet auditeur se sentait escroqué« ), l’éthique encore (« quelle place pour la déontologie, la morale ou l’éthique dans le commerce du disque« ), un retour sur le dernier machin sarkozeux, le Centre National de la Musique, ainsi qu’une interview/rétrospective de l’auteur de ce blog… Et puis des photos de Guy Le Querrec, et des dessins d’Andy Singer.

On peut télécharger gratuitement la version PDF, comme celles des numéros précédents (29 au total) et donc lire sur sa tablette…

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Ca peut être une langue apprise, mais ça n’a évidemment plus le même sens. On peut se l’adjoindre en disant que ça a fait partie de notre pratique, de notre univers, mais qui peut dire davantage aujourd’hui ? Si on continue à figer les choses, on se rend bien compte que toutes ces tentatives mènent à des situations encore plus aliénantes pour la musique et les musiciens. Pourquoi se fait-on renvoyer constamment d’une structure de diffusion à une autre ? Ce ne sont pas des projets atypiques, mais typiques de notre époque, des musiciens de la génération d’après, qui a pu s’ouvrir à tellement d’autres choses.

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Et on en profite également pour inciter vigoureusement à la lecture de Ya basta, du même T. Crouzet. Ca vous changera de la petite bagarre présidentielle dont l’actualité nous gratifie ces jours-ci.

Dominique Pifarély et l’ensemble Dédales par archipels

Dominique Pifarély et l’ensemble Dédales par archipels

Dominique Pifarély et l’ensemble Dédales par archipels

Etonnement, quoi d’autre, à la première d’un nouveau projet, d’un nouveau programme, en l’occurrence. Etonnement de voir ses partenaires — ici, des alliés fidèles, plus sûrement — adhérer à ce qui reste une prétention exorbitante, proposer à tout un orchestre, puis au public, quelque chose qu’on a rêvé dans l’intimité.

C’est pourtant le seul souhait qui vaille, en ces jours où ce qui disparait en premier lieu dans le « monde de la culture », c’est la « marge artistique », c’est-à-dire ce qui reste du budget quand on a payé fonctionnement, bâtiments et administration. On ne saurait mieux dire : la marge.

Alors, quand il reste des oasis de sincérité, s’y précipiter devient un acte nécessaire. La Cave Dimière et le Figuier Blanc, lieux culturels d’Argenteuil, sont pour les parisiens à moins de vingt minutes de la Gare St-Lazare, et leurs programmateurs, Nicolas Taupin et Daniel Marty, de vrais acteurs culturels dans leur ville, conscience politique en bandoulière.

Et puis, quand la presse écrite ne commente (presque) plus la musique vivante, internet prend le relais, ceci dans les heures qui suivent…

[...] on retrouve le caractère organique de l’écriture de Pifarély, porté à un nouveau degré d’aboutissement, avec cette écriture motivique qui tout en égarant l’auditeur par son caractère fuyant lui laisse une étrange impression de cohésion, la redistribution permanente des motifs entre les sections dans une grand jeu de correspondance (miroirs, imitations, déformations, transpositions, emprunts réciproques) [...]

Franck Bergerot (Jazzmagazine).

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(1) Depuis que cette pétition a été lancée, une concertation précipitée agite la dite « filière ». Le projet CNM est désormais accompagné d’un protocole d’accord dont les concessions formelles – une représentation minoritaire d’organisations professionnelles – permettent le financement de la mise en place du CNM sur le budget du Ministère de la Culture (15 millions d’euros minimum – sans dépenses justifiées – sont annoncés).

Signer la pétition

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Ci-dessous, 11’42″ de diaporama avec son (extraits), et pendant que les photos chargent, baissez la lumière, mettez un casque ou basculez sur vos enceintes externes et cliquez sur « plein écran »…

[See post to watch Flash video]

photos : Virginie Crouail

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Travaillé cet été sur le nouveau programme de l’ensemble Dédales, une heure de musique pour l’instant. Ces futures Géographies du temps seront créées en 2 étapes, 1ère en janvier prochain, seconde en mai. D’ici là, reprendre le travail avec François Couturier, écrire encore donc, et replonger dans l’intimité du duo. Et reconnecter avec l’électronique live, duo avec Michele Rabbia, puis trio à Rome avec un spécialiste du genre, l’italien Maurizio Giri — ça fera mise à niveau accélérée…

La perspective de reprendre Formes d’une guerre en décembre à Lyon, mais aussi au Liban, tout ça retravaillé à chaque fois — c’était l’idée de départ : un cadre, un principe de travail sur le numérique, et des formes  internes à reprendre en permanence —, me voilà ramené vers l’ordinateur comme partenaire actif. De nouvelles pistes se dessinent, solo, danse, capteurs HF, nouvelles images…

Je rassemble et fais remonter 4 enregistrements de travail, où le violon est la seule source première de sons, qui ensuite prolifèrent à travers les chemins mystérieux du traitement numérique en temps réel.

Soukoun 1

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Gravas

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Gravas 2.2

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Soukoun 3

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• L’ensemble Dédales, nouveau programme « Géographies du temps », 13 janvier 2011, Argenteuil et 11 mai 2011, Limoges.
• « Formes d’une guerre », 8 décembre 2011, Théâtre Kantor, Lyon.

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Depuis le centre-ville et la place des Martyrs, on prend par Gemmayzé, envahi par les bars et restaurants branchés — on entend à bonne distance qu’il est 2 heures du matin, fermeture officielle, ronflements de 4/4, avertisseurs puissants en boucle, cris… —, qu’on se hâte de dépasser, donc, puis on continue par la rue d’Arménie, plus calme, vers Mar Mikhael, et on arrive à l’escalier Vendôme. A l’angle, en bas à droite, le cinéma Vendôme vient d’être détruit, et une tour va le remplacer, barrant l’équilibre d’un quartier paisible, et la vue de ses hauteurs du même coup. On monte le long des plaques bleues qui masquent le chantier, et que la rouille transforme en abstractions lyriques. A mi-hauteur, c’est un village, chaises, fauteuils, café sur les tables basses, voisins qui devisent, ou qui somnolent.

J’ai rencontré Aurélien Zouki en 1997. Jeune étudiant en théâtre, il participait à l’ »Hommage au Grand Théâtre » que Gilles Zaepffel montait à Beyrouth, et où, comme à son habitude, il mélangeait les genres et les gens : des comédiens français, musiciens libanais et français, une chorale arménienne, étudiants, amateurs, enfants… Cette expérience n’a sans doute pas quitté Aurélien, qui, avec Eric Deniaud et le collectif Kahraba, rassemble comédiens, musiciens, marionnettistes, graphistes, voisins, pour un festival dans les escaliers, sur les toits et dans les jardins de leur quartier, l’ancien quartier arménien, au bout d’Aschrafieh, à Beyrouth.

Nahna wil amar wil jiran – Nous, la lune et les voisins, titre inspiré par une célèbre chanson de Fayrouz, a duré 3 jours. On y a vu des chevaux de carton dévaler majestueusement la rue ou tourner au-dessus d’un immeuble, une chorale apparaitre et disparaitre, des marionnettes se séduire et se marier, du théâtre d’ombres. On y aura entendu, sur le toit transformé en diwan, des contes au clair de lune, des musiciens arméniens, des percussionnistes, une chanteuse, un joueur de aoud, une comédienne, du chant traditionnel qui aura fait onduler les corps…

J’y aurai rencontré de beaux artistes, enfin, qui cherchent, s’engagent, se donnent, dans le plus grand sérieux et l’abandon le plus joyeux.

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Cette annonce publicitaire dégoutante, depuis quelques jours sur France Inter : l’Education nationale annonce 17000 embauches, pourquoi pas vous ? Mais c’est aussi 16000 postes d’enseignants que l’éducation nationale supprime , on n’en fait pas la publicité.

Et ce jeune homme qui pour échapper à un boulot de pion, passe le concours, fait 2 mois de formation et se retrouve maître d’école. Instituteur. Professeur des écoles. Enfin, c’est lui qui s’occupera de vos enfants à l’école de la république, quoi. On déteste ce que le service public est devenu, ou est en train de devenir. Comme on hait les naufrageurs.

Alors, toujours ces moments touchants, où les étudiants du C.F.M.I. se jettent dans la musique, eux qui vont aller dans les écoles, justement, dans les écoles de musique aussi, ou vers les associations de pratiques amateur. Ce sont 2 années de formation, pas 2 mois. 1500 heures, et une vie de musicien en parallèle. Qu’en savent-ils, finalement, ceux, concentrés sur l’évolution de leur carrière institutionnelle, universitaire, politique, dans les centres de pouvoir dont la société française offre une large variété, qui ne vont plus jamais au spectacle ?

Reste donc ces moments, ou plus rien ne compte que la vérité du geste qui porte leurs désirs de musique, à ces étudiants. Ci-dessous des extraits (17′ de vidéo) de leurs travaux de composition (première fois de leur vie, pour presque tous, qu’ils inventent leur musique), captés en public — et devant jury. Les compositions (étudiants de 2ème année) sont de Alain Josué (batterie, percussions), Lou Delebecque (violon), Mylène Cave (hautbois), Bastien Clochard (violon), Quentin Lambert (flûte), Anaëlle Blanc (violon), Elodie Wachowsky (flûte), Hugo Bernier (guitare), et Damien Gorodja est à la basse. Les improvisations (étudiants de 1ère année), environ 18′ d’extraits saisis lors d’un filage avant le concert du 14 juin, sont de Vincent Djamali (piano), Nelly Mousset (contrebasse et voix), Camille Belliard (steel drum), Laurence Vernay (clarinette), Perrine Vrignault (accordéon diatonique), Maryline Romeu (accordéon chromatique), Marie Charpentier (trompette), Véronique Vrignault (flûte), Maxime Dancre (batterie), Julia Demauge Bost (violon), Gabriel Oyarzu (charango) et Jean Paul Naaoutchoué (basse).

Merci à Etienne Le Moal (Cap Sud), Matthieu Périnaud, Mathilde Coupeau et Miké (Jazz à Poitiers), Alexandre Benoist, Nelly Boizet et Madely Gransagne  (C.F.M.I.), Virginie Crouail (Archipels-Cie Dominique Pifarély).

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Et pour ce plaisir à les voir advenir comme musiciens, ce texte de François Bon, que je leur dédicace, comme à ceux qui restent quand l’invention, l’audace sont assiégées.

« Un son fait de blocs, d’aspérités, de mouvances. Il est sombre, il est âpre. Le son que je cherche va par nappes, gronde en vous-même selon des lignes fortes que la basse même ne saurait engendrer, des mondes lourds en suspens qui résonnent outre grave, appellent des percussions amples, invisibles : le son que je cherche est fait de ces grains qui s’assemblent et se désassemblent et sont l’architecture noire de nos espaces du dedans. Le son que je cherche est une corde nerveuse, les accords sont nets et frappés, et leur enchaînement va comme en se jouant, tel qu’on rêverait qu’au poignet on l’arrache. Le son que je cherche est une déflagration : on l’ébauche d’un geste de la main, elle enfle et grogne dans le crâne, s’y perd après explosion lente. Le son que je cherche est l’idée d’une danse tournoyante et brève, d’une peau tendue qu’on excite du bâton, de l’os, de la paume ou du marteau sur le bronze. Le son que je cherche ce sont ces couleurs à fresque et pans obscurs de briques et géométries de lumières dans les bâtiments neufs qu’on aperçoit au-dessus d’un trou édenté de la ville, avec parking, bar louche, graffiti et silhouettes errantes pauvres et pressées, et tant pis pour l’étalement continu des gris. Le son que je cherche est cette articulation de la voix qu’on a dans les rêves, quand tout de la phrase est clair, c’est la phrase qui va comme on tombe et flotte aussi très lente comme dans les rêves on vole, c’est une musique de rien entendue au hasard dans les galeries commerçantes, musiques faites pour l’euphorie et la netteté des instruments rien qu’un exercice d’avant abîme. Le son que je cherche est ce grondement qu’on sent dans le corps quand tout tremble. Le son que je cherche est cette douleur sous le front quand même voir n’est plus qu’en rêve. Le son que je cherche c’est ce qu’on rêve de chanter quand on marche seul dans grand espace de vent, qu’il soit près d’un fleuve, d’une mer, sur une crête ou en pleine ville. Le son que je cherche grouille comme un monde, il est ces passages souterrains et quand on ferme les yeux c’est mille pas dont aucun n’est ensemble et les voix des bribes qui ne s’assemblent pas. Le son que je cherche c’est la maîtrise d’un violon, et jouer n’importe quel air qui vous passe à cet instant dans la tête : c’est une architecture, un dessin abstrait, une couleur liquide ce qu’ils entendent les musiciens dans leur tête et à quoi l’instrument donne sa phrase sans qu’avant de l’entendre on en sache le récit et les mots. Le son que je cherche est cette voix chuchotée mais prenante, cette voix qui n’a plus de timbre et alors on entend chaque syllabe, cette folie concaténée de vocables qui disent la ville et ce sont autant d’images éclatées qu’on vous livre, les aspérités de toute surface et le vent fou qui s’enfile dans une rue sans air. Le son que je cherche est le souvenir d’un livre perdu et le silence où on était pour lire et le chant de toutes phrases lues quand elles sont belles. Le son que je cherche c’est ta voix quand on est loin, le son que je cherche est une audace : quand on débutait, que rien n’était exprès, que tout vibrait ou sonnait comme un verre vide, et nous-mêmes contre les murs de nos chambres si peu de poids et tant de rêves – et ce qu’il faut mettre en chantier, de vertige et de poisons, d’incertitude et de câbles tendus par dessus le vide, et que la parole même elle s’effondre. Le son que je cherche c’est marcher à l’intérieur de soi-même, c’est le rictus du musicien qui s’avance jusqu’au bord où on tombe. Le son que je cherche est dans l’abandon des voies sûres, des formes prédictibles, des objets qu’on soupèse. Il est ce masque qu’on s’arrache, et qu’une vie à peine décolle. »

François Bon, Formes d’une guerre

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Sur le site du Lieu Multiple

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Silence. Désir, sincérité et enthousiasme des étudiants du CFMI, loin des calculs, des lassitudes et des routines, des accommodements avec l’époque. En rentrant, on travaille à Formes d’une guerre (la semaine prochaine à Poitiers), et on enregistre ça :

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